Il rapporto tra arte e mercato è un tema centrale nella discussione estetica, sin da quando, a seguito della rivoluzione industriale, l’ascesa della borghesia ha portato al declino delle tradizionali committenze laiche e religiose senza per altro sostituirsi adeguatamente ad esse. L’artista si è dovuto così misurare direttamente col pubblico e conseguentemente ha iniziato a dover tenere in conto della commerciabilità della sua arte. Si è così creato un vulnus tra la volontà artistica e la necessità dello stare al mondo, un vulnus che trova la sua sintesi più esemplare nel senso eminentemente spregiativo che si da al termine commerciale in relazione all’arte. Il commerciale nell’arte, difatti, è perlopiù visto come l’eccesso di accondiscendenza nei confronti di un gusto massificato, il più diffuso possibile; ciò porta al ricorso agli stereotipi, ai cliché, a tutto ciò che rende evanescente l’autenticità e l’urgenza dell’arte. Ma, d’altronde, come far fronte alla necessità materiale e morale dell’artista di trovare un pubblico, senza dover rinunciare alla propria peculiare autenticità? Questo nodo, forse, potrebbe essere sciolto se si facesse una distinzione tra i termini commerciale e commerciabile, in relazione all’arte. Se il commerciale tende a disinnescare l’autentico artistico attraverso il ricorso a modi stereotipati e consolatori in grado di attrarre il pubblico in maniera acritica, il commerciabile è il territorio dove l’autentico artistico cerca le vie per soddisfare la sua volontà di stare al mondo.
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